拜占庭教堂音乐略说
　
　　 文艺复兴时期的学者在创造出“中世纪”这一术语来指称他们心中那段暗无天日的漫长历史之后，又杜撰出“拜占庭（Byzantine）”去命名那个延续千余年的帝国和那些信奉同一位上帝的人们，而他们自己更愿意自称为罗马人。面对虔敬执着、力行苦修的正教徒，自诩为希腊罗马古典文化复兴者崇尚人的自然本性的文艺复兴大师们在感情上自然难以接受东罗马帝国的存在。这也确切地体现了东西两种基督教文明的差异与隔膜，15世纪奥斯曼帝国吞灭康斯坦丁堡之后，西方世界对拜占庭文明的偏见与日俱深，在理性至上的西方学者眼中，古老的拜占庭不过是一个保守落后、官僚盛行、一成不变的东方帝国，时间在那里缓慢得近乎停滞。而拜占庭的音乐，在权威的《牛津简明音乐史》（杰拉尔德亚伯拉罕著），仅仅以“没有形成自己的体系”而一笔带过。人们常常有意无意地淡忘现代计谱法的雏形“纽姆符（neumes）”和格列高里圣咏的八种基本调式都来自东方，而文艺复兴的直接根源正是拜占庭保存和延续了的希腊文化。
   拜占庭音乐起于公元4世纪初期康斯坦丁堡的建立，止于1453年东罗马帝国的陷落。这个政教高度合一的神权国家，音乐自然毫不例外地隶属于宗教礼仪的需要。尤其在查士丁尼即位之后，对异教进行严格控制，他对系统化、规范化的特殊偏爱，最终导致帝国首都的“正”教会、其礼拜仪式及礼仪的至高无上的地位。与此同时，音乐的重要性也空前提高了，大量拜占庭圣咏（Byzantine Chant）与赞美诗（hymns）随之涌现，计谱方法与调式系统也逐步完善。 　　

                  重复之美—简约派音乐
　　
　　 先贤老子有言：物极必反。当维也纳第二乐派及其追随者将音高、节奏、力度、音色统统纳入数学化的序列安排之中，使音乐越来越成为一门高度抽象而复杂的排列组合技艺，声音的繁复冗杂发展到极致时，简约派音乐（minimalism）作为一种独特的反动在John Cage的《4’33”》之类矫枉过正的尝试之后也就应运而生了。
　　
　　 60年代的美国纽约，一群不满序列音乐纷繁冗杂的学院化技巧的年轻作曲家开始尝试使用尽可能少的材料和高度限定的手法进行创作，力求透过最为基本的音乐元素去探索音乐原初的本质，是为简约派音乐，也有人称之为“重复音乐（repetitive music）”或“沉思音乐（meditative music）”。它的产生与同时期流行于纽约绘画、雕刻方面的“最低限度艺术（minimal art）有着密切联系。“简约”或许可以视为纽约艺术界的一大创造，他们都试图摆脱高度发达的艺术技巧对直观事物的束缚，而寻求对对象和艺术自身的简单然而直接的经验。


                         交响乐

交响乐就是为整个管弦乐队所作的奏鸣曲。
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样，当时的交响乐泛指的是一切多声部的音乐。其中包括了声乐和器乐。
到了16－17世纪，交响乐被用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经被排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了一种纯粹的器乐曲。
18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲奠定了“快板一慢板一快板(舞曲风格)”这样一种三段体式， 给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性。并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲。这样，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。
后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段，他们是海顿，莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态。也使得交响乐进入了自己的黄金时期，贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界，现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。
之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。
进入20世纪后，交响乐仍然在不停的发展着，越来越多的新元素被添加到交响乐中。气势恢弘，感情细腻，表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量坚定的爱好者。
经典交响曲结构如下：
1. 第一乐章：奏鸣曲式，2. 快板
3. 第二乐章：4 复5. 三部曲式或变奏曲，6. 慢板
7. 第三乐章：小步舞曲或者谐谑曲，8. 中、快板
9. 第四乐章：奏鸣曲或回旋曲式，10. 快板
演奏交响乐的乐队是交响乐队，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水品精湛的交响乐队而感到骄傲。

                         印象主义音乐

　　
　　 从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上称为“近代音乐”时代。在这一时期，以印象主义音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。
　　一、音乐中的印象主义

　　 印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。

　　它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与激情的发挥。与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。

　　在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。

　　印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。

　　正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。

　　 法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法国作曲家杜卡和意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物。